L’Art du Timing dans l’Animation et l’anime Japonaise avec Anaïs Chevillard, Animatrice Réal

L’Art du Timing dans l’Animation et l’anime Japonaise avec Anaïs Chevillard, Animatrice Réal

1 [Musique] 2 hey guys welcome back dans cette nouvelle vidéo des 12 règles d’or de l’animation une série qui est cofinancée je le rappelle par le CNC alors merci à eux et dans la vidéo d’aujourd’hui nous allons voir le principe du timing qui est un principe super important on va

Voir tout de suite ce que Frank and ah d’ailleurs je dis tout fr c’est parce qu’on les appelait comme ça à l’époque dans les studios ils étent toujours ensemble on les appelait Frank d’ailleurs il y a ce super documentaire qui existe qui été fait à la fin de leur

Vie où ils retracent toute leur carrière ils expliquent toute leur philosophie et il parlent de comment ils ont écrit le livre pellicule les images son magnif je consem je mets description si voulez vous le procurer voil petite infotillante F fact lev dans le cartoon Mick par la tête une parodie de

Frankstein le singe savant fou s’appelle voilà petite info vous la prenez vous en faites ce que vous voulez on regarde tout de suite ce que Frank and I nous disent sur le timing le nombre de dessin utilisé dans un mouvement détermine le temps que l’action durera à l’écran bon ben voilà

Ouais pas la peine d’aller plus loin on a un timing serré aujourd’hui en plus donc le timing c’est la façon dont on va déterminer la durée d’un ou plusieurs mouvements en fait puisque la fréquence d’image au cinéma ne change pas elle est toujours de 24 images par seconde et ben

Plus on va rajouter de dessin dans un mouvement plus ce mouvement va être lent et moins il va y avoir de dessin plus ce mouvement va être rapide par exemple si je dessine de cercle [Musique] éloigné si j’intervalle avec disons 5 dessins la balle va aller très vite de

La position a à la position B c’est un timing rapide mais si je rajoute des dessins entre on a maintenant 24 [Musique] dessins le mouvement est beaucoup plus lent et comme il y a 24 dessins ça veut dire que le mouvement dure une seconde alors que l’autre durait 1/4 de [Musique]

Seconde donc ce qu’on dit c’est que plus il y a de dessin plus le mouvement est lent et là on a mes dessins qui sont intervallés de façon constante donc qu’est-ce qui se passe si je déplace mes dessins de chaque côté vers les Paes [Musique] extrêmes alors on va retrouver notre

Principe du slow- in et du slowout parce que slow ça veut bien dire en anglais lent lentement donc l’idée de rajouter des dessins pour avoir une partie du mouvement qui va être plus lent c’est cette idée du slow in et du slowout que

Ça soit au début ou à la fin il va y avoir un ralentissement donc plus lent ou une accélération on parle de L vers un mouvement plus rapide et ça va aussi aider à rendre le mouvement plus doux pour le spectateur et à ce moment là en

Fait on joue avec ce qu’on appelle le spacing c’est un petit peu le binôme du timing le spacing c’est la distance qu’il y a entre deux dessins pour autant la durée du mouvement est exactement la même le timing est le même mais le spacing est différent et parfois on peut

Mélanger les deux termes parce que si par exemple ton superviseur d’anime ou ton lead te demande de réduire un peu le timing de ton anime en gén général ça veut dire qu’il veut que le mouvement aille plus rapidement OK et donc pour que le mouvement soit plus rapide bah tu

Vas enlever des dessins et si tu enlèves des dessins bah tu augmentes le spacing c’est QFD et les pou seront bien gardés en général plus on va aller dans des timings extrêmes plus on va s’éloigner d’une animation réaliste on va même créer un effet comique par exemple une animation avec un timing très

Rapide et au contraire voici un exemple d’un timing très [Musique] déterminer son timing en animation c’est décider à quelle vitesse on va passer d’une pause a à une pause B mais là où ça va commencer à réellement être intéressant c’est quand on va placer des timings différents selon les différentes

Parties du corps chaque partie du corps va bouger avec un timing différent c’est à ça que servent d’ailleurs les charts de timing qu’on voit sur le côté parfois des des feuilles d’animation c’est les différentes partie du corps qui ont leur timing et leur spacing spécifique c’est là qu’on va commencer à créer du

Contraste visuellement et créer un véritable rythme dans ton animation c’est pour ça que Disney disait que c’était très bonne chose de savoir danser pour être un [Musique] animateur quand on fait 24 dessins par seconde on dit qu’on anime à l’image il arrive très souvent qu’on divise le

Travail par deux et qu’on ne fasse que 12 dessins par seconde pour des raisons économiques ou de temps on dit alors qu’on anime à deux [Musique] [Applaudissements] images ça reste quand même assez fluide visuellement c’est pour ça qu’on fait cette économie mais c’est surtoutable pour des mouvements qui sont assez lents

Ou de vitesse normale parce que pour les mouvements rapides ça veut dire qu’il y a moins de dessin entre les Paes et donc ça veut dire que le spacing est plus grand et que ça risque de poper visuellement donc en général ce qu’on fait c’est que pour les mouvements

Rapides on se pose pas de question et on anime à l’image et quand les mouvements redeviennent plus lents on repasse à deux images et particulièrement quand il y a des mouvements de caméra on évite d’animer un personnage à deux images quand le mouvement de caméra est lui à

24 images secondes sauf dans le cas de spidervse où il y a une volonté artistique d’animer le personnage de Miles morales à deux images alors que le décor bouge normalement à l’image cela crée un décalage de miles avec son environnement dénotant son manque de maîtrise en comparaison Peter parer lui

Est animé à l’image parce qu’il est à l’aise dans ses mouvements ils sont plus fluides car plus maîtrisés puis dans la suite across the spider verse il y a l’apparition d’un nouveau personnage Spider punk qui est noncformiste voir anarchiste donc complètement en décalage avec son environnement et les autres

Personnages c’est pour ça qu’il avait des règles très spécifiques d’animation il n’est pas animé à une ou deux mais à trois images et à l’inverse le Spider-Man insomniaque qui vient de l’univers du jeu vidéo est le seul personnage animé à l’image car il est le seul à venir d’un monde à 60 images

Secondes et de façon générale quand il y a un défil en décor on garde l’animation du personnage et le mouvement de caméra à l’image d’ailleurs c’est à ça que servent les réglettes de mon disque d’animation j’en ai deux en haut et en bas avec des perforations celle du haut

C’est celle où il va y avoir le décor hein et si je dévisse voilà je peux glisser la réglette millimètre par millimètre je vais pouvoir déc quel est mon décor image par image pendant que j’anime le personnage sur la rglette du bas d’Ille j’ai toujours adoré les réglettes et les perforation comme ça

Sur les feuilles ça hyper graphique puis c’est un truc que seul les initiés connaissent en fait ça me donne trop une idée de de [Musique] tatouage [Musique] [Applaudissements] [Musique] alors où est-ce qu’on en était à ah oui défilant décor en fait les seuls qui se permettent de créer cette déconnexion entre un personnage

Qui va être animé à deux images et un décor qui va défiler à 24 ce sont les japonais on voit comment le décor bouge à chaque image alors que le personnage lui est animé toutes les deux images et une des principales différences entre l’animation japonaise et l’animation

Occidentale ça va être le timing dans la plupart des animés même dans les films des studios Gibli pour un mouvement on va dire à vitesse normale l’animation est faite à trois images c’estd que chaque dessin va rester trois images à l’écran par exemple dans Princesse Mononoke mon [Musique]

Préféré on voit bien hashitaka qui marche à trois images alors qu’en arrière-plan on a damebosi et San qui se battent à deux images alors que les mouvements sont très rapides mais c’est compensé par des blurs puis derrière bon ils sont à zéro de timing quoi et ce qui

Va être beau c’est que ça va être parfois l’intensité d’un mouvement qui qui va avoir une incidence sur la fréquence [Musique] d’image par exemple sur ce plan San bien que ses mouvements ne soi pas particulièrement rapides est animé à deux images c’est à cause de l’intensité

À cause de la tension qu’il y a dans son mouvement et là quand la tension entre les deux épées va être très forte bah la vibration des épées va être animée à l’image pour ressentir cette force et qui vaêre dans Princess monoke et qui est présent aussi dans d’autres films de

Miazaki c’est que l’animation à l’image va servir à tout ce qui est plus fort que les personnage à tout ce qui est lié à la magie à la malédiction ça va créer en fait cette différence visuelle qui va qui va différencier avec le personnage comme si appartenait à un autre espace [Musique]

Tempo et c’est pour ça que cette variation du nombre d’images par seconde n’est pas simplement faite pour des raisons économiques surtout chez Miyasaki elle est plutôt là pour générer chez le spectateur des sensations et des émotions différentes selon les mouvements et pour moi c’est ce jeu sur

Le timing qui rend les mouvements des animés si poétique après voilà moi je suis pas un spécialiste de l’animation japonaise mais je connais je connais quelqu’un qui l’ pouvoir du prisme lunaire transforme-moi ça pas mais mais qu’est-ce que tu fais là ben je sais pas je me trouvais dans ton salon comme par

Hasard je suis dit bah faisons une interview toi tu es animatrice à la base mais surtout aujourd’hui tu es storyboardeuse réalisatrice c’est trois domaines qui demandent de maîtriser le timing en tout cas et en fait dans ton boulot aujourd’hui de de réalisatrice ou quand tu fais tes animatiques c’est quoi

Ta méthode pour timer des séquences ou des animes mes premiers Jobs c’était Cara design chez marathon le studio qui avait fait notamment totally Spice HM en fait on s’est retrouvé à Marathon parce qu’on avait vachement la culture animée c’était un des seuls bastions à l’époque même si on faisait des séries mainstream

Mais c’était un des seuls studios où on pouvait s’en donner à cœur joie pour faire des trucs qui étaient graphiquement de notre culture un peu animation japonaise et en fait ça a créé une espte de pépinière je pense de talent à l’époque enfin de jeunes talent en fait qui qui voulait réussir à

Produire en France des séries comme cell qui nous avait vu grandir et et marqué quoi et qu’est-ce qui était important dans ces séries là c’était bah les histoires racontées mais aussi c’est vrai que la la manière dont les movement se déployé était d’une culture différente que celle qu’on avait reçu

Des films Disney enfin tout ce qui venait des États-Unis donc ça ça a créé en fait un un pôle de curiosité [Musique] important je vais dire on pour dire un peu ma génération mais vu qu’on a les reenes de plus en plus en plus et et cette envie de de contrôler dès le

Storyboard la manière dont on va se dérouler le dessin animé en fait on a de plus en plus commencé à travailler sous forme [Rires] d’animatique mais moi mes premiers board je les ai fait avec to Boom Storyboard pro donc un un un logiciel qui te permet de d’éditer ton ton storyboard sous

Forme de vidéo donc sous forme d’animatique et on avait donc c’était sur lollyck donc de retour à Marathon après toutes ces années et non pasor Moon tu savais pas qu’elle était posée je la vois tout à l’heure c’est leur comment c’est Moon oui tu es grosse fan

De Sailor Moon en fait pas du tout [Musique] voilà tu utilises beaucoup toujours j’ai puis les Goblin çaur petit à petit il y a eu la démocratisation des storyboards sous forme d’animatique mais moi c’est comme ça que j’ai appris à aborder en fait j’ai appris à aborder en utilisant du

Son c’està-dire des voix témoins principalement sur lesqueles je me suis basé pour faire les les actings des personnages quand je suis arrivée à Bobby donc j’ai retrouvé mon mon pote Balac notamment et et d’autres artistes qui en fait avait surdéveloppé cette technique de de travailler sur du son pour avoir une

Espèce de de r d’épisode uniquement sur sur band de son en fait vu qu’on a on a pas mal travaillé sur des formats courts que ce soit sur monsieur flap ou pipoudou en fait et qui était basé sur de la comédie et notamment sur du gag le

Gag c’est extrêmement précis en terme de timing des fois une frame prè ça marche moins bien quoi ouais donc l’idée de de ces montages son c’était aussi parce qu’en room d’écriture il testait les blagues à l’oral ouais pour voir si ça marchait et et et l’idée d’avoir un

Montage son c’était aussi pour voir si ces gags peuvent marcher visuellement Rio quoi ouais W allez bien filou et parfois tu fais même la musique à la voix et ben en fait je fais tout à la voix c’est-à-dire que que ce soit une explosion un souffle il y a quelques

Années de ça j’ai travaillé sur un projet de de série tiré d’un manga de vulgarisation non scientifique qui s’appelle manga science qui est vachement bien je vous recommande même s’il est plus dité en France il faut le trouver maintenant dans des médiathèques ou des trucs comme ça et l’idée c’était

De faire une adaptation pour un public un peu plus international et notamment à la fin je voulais absolument qu’il y ait une chanson à ce moment-là il y avait pas de création musicale donc ben tu l’ composé je sa pas vraiment de la compo mais je me suis dit bon il

Faudrait qu’il y ait un truc à base de sur ce rythme là et et puis ce serait mélodique alors ça fait un truc à base de tanana quoi voilà mais comme ça ça te permet d’avoir une idée hyper précise en fait du timing

Et du rythme de la S ça en fait ça ça me permet de de musicaliser le temps de narration en fait donc il a un musicien qui a fait qui s’est basé sur ton nan qui s’est basé sur mon ananas et donc qui qui a Gard le le même

BPM on trouvera la définition le tempo exactement vous êtes prêux je cro c’est mission pour [Musique] [Musique] nous [Musique] bon toi tu as une particularité c’est que tu es une des rares artistes françaises à avoir pu bosser au Japon et à l’époque où c’était du papier oui c’est ça en fait j’ai

Travaillé au Japon à une époque un peu préhistorique où c’était encore alors il y a encore beaucoup de prod qui sont sur papier mais mais c’est de plus en plus c’est de plus en plus démocratisé d’avoir bah notamment tout le travail d’intervalle et de mise en couleur fait

De manière numérique en fait et tu as des dessins que tu peux nous montrer oui j’ai des j’ai des vieilles Ries en Land de grâce 2008 environ je suis parti au studio satellite au Japon où il y avait déjà des des camarades qui avaient commencé à travailler sur un un projet

De série il y a beaucoup de français ici à satellite parce que j’ai je les ai appelés pour fabriquer Basquash j’avais besoin d’une équipe plus grande donc j’ai appelé des amis français moi je suis venue d’abord 3 mois pour faire un stage j’étais déjà animatrice en France j’ais travaillé

Sur mais là en fait l’idée c’était vraiment d’apprendre la technique de depuis zéro technique de comment on fait DIN animé au Japon et donc j’ai commencé par apprendre à faire des clean ouais des clean et des intervalles donc j’ai retrouvé deux trois trucs d’époque on m’avait donné des dessins que je m’éis

Entraîné à cleiner en fait ce même dessin je l’avais fait une première fois là et la la chef de Clean elle m’avait fait des petites corrections elle m’a dit ouais là le trait il est pas bien parce que ah ouais en fait il faut pas que ça dépasse le trait rouge là il

Était pas dans la continuité des autres traits je suis-là aussi cette mèche c’était pas bien parce que euh je crois que c’était pas tout à fait la bonne interprétation du du Genga d’origine et et celui-là il était réussi celui-là m’a dit oui c’est bon c’est validé donc

C’est un travail de précision sur papier en sachant que des trucs qui ont l’air pas dur ça c’est méga dur à à cleiner en fait hein bah oui c’est du c’est des grands arcs c’était super dur donc d’abord je suis passée par toute cette étape de d’apprentissage du trait euh des des

Chartes de timing ouais mais en fait alors je te dis hein c’est des artefacts je sais plus exactement d’où viennent les feuilles que j’ai retrouvver est-ce que c’était des trucs ratés est-ce que c’est des des sujets de discussion avec mon chef doga à l’époque doga c’est toute la partie clean et interval pour

Dire qu’est-ce qui est bon qu’est-ce qui est pas bon je je sais plus d’accord tu vois des trucs comme ça sur lesquel mais en fait à l’époque moi pour arriver à des résultats pareils ça m’est arrivé de passer 4 heures sur des dessins quoi en ratant en recommençant c’était

L’enfer mais c’était trop bien après j’ai réussi à faire quelques plans d’anim alors pas beaucoup quand même parce que sur un an tout ça s’est passé très vite tiens voilà je va essaie de te retrouver peut-être celui-là donc ça c’est des des notes que j’ai fait par

Rapport au brief que j’ai fait avec le réalisateur et tu vois il y a des il y a des temps qui sont indiqués quand même c’est assez précis donc ça numéro de plan description de l’action al c’est c’est bien différent des storyboard animatiqu que je t’ montrer mais il y a

Absolument toutes les infos il y a les dialogues il y a les temps voilà donc ça c’était ben voilà c’était les ref que j’avais fait par rapport à ce plan donc là ce qui serait drôle c’est si j’arriva à le retrouver alors sur les layout c’est

Marrant donc là il y a certaines copies couleur les restes sont noir blanc donc ça tu vois c’est correction là je passe vite parce que je cherche le plan en question mais on met des indications de on met des indications de lumière des ah voilà

Est-ce que j’ai le design qui va avec en fait les personnages sont dans des des sortes de robots géants bah tu vois dans ce plan là on a C c’est le personnage qui est dans le plan qui est dans son Robo et ça c’est l’intérieur du cockpit tu vois ouais donc avec diverses

Indications là c’est l’épisode le plan numéro 37 et ça c’est le le temps ça dure donc 8 secondes et et 12 images ce qu’on demande à l’animateur c’est en fait de gérer tout le plan c’est-à-dire s’il y a des FX tu proposes des FX s’il

Y a des mouvements de caméra tu les fais ni ça ça veut dire que là c’est transparent parce qu’il y a une vitre c’est le nom du personnage c’est là et son cello qui va bouger son niveau d’animation qui va bouger on décide que c’est le a mais alors voilà donc on est

Sur la première PAE deuxième posuse elle se relève avec bah des échells dentaires pressentis ouais al jece que c’est la franche tu bouge elle réfléchit à sa vie et après elle dit [Musique] non non je sais plus ce qu’elle [Musique] dit dans cette description de plan là je

Vous ai montré le pack design et et mes premières pauses d’animation mais en fait ça ne marche pas si on a pas une feuille d’expo alors cette feuille d’expo elle est bien de l’épisode 26 ouais mais c’est pas ce plan là donc ça bah c’est la timeline en fait je pense

Que c’est intéressant aujourd’hui de regarder des des documents comme ceuxl parce que bah ils sont toujours utilisés au Japon mais en format numérique beaucoup au Japon encore sur la production de série le l’enregistrement des voix se fait souvent après l’animation ouais ça c’est du temps qui défile techniquement sur une feuille

D’expo comme ça on arrive à 144 images donc en 24 images par seconde le temps que ça dure 4 secondes normalement il y a mon nom ici anaisou mais il a été écrit là voilà c’est le numéro d’épisode 4 42 machin et tout en général on pose

Nos feuilles d’anim làdedans comme ça là pour rendre le plan et ensuite c’est le charge de prod qui pr donc là on a une colonne pour mettre les pclés et éventuellement les différents niveaux d’animation par exemple j’ai un personnage a qui est sur le level a et

Par-dessus ça j’ai un élément B par exemple un autre personnage ou une bouche et ainsi de suite un élément c’est en fait on met les posesclés ici et si par exemple la pose 5 ne bouge pas pendant un certain temps on va la noter comme ça tu vois et après peut-être il y

Aura la 6 ici et je sais pas un inter là d’accord et la 7 qui commence là voilà c’est un follow c’est-à-dire que on a un effet de décor qui défile pour simuler par exemple un personnage qui court tu vois il se trouve que ça a l’air d’être d’un document préhistorique mais n’empêche

Que n’importe qui retrouverait ça bah on peut on peut fabriquer un plan au studio Disney tu sais ils ont leurs archives ils gardent tout et ils gardent toutes les feuilles d’expo et maintenant qu’on est en HD super HD 4K bah il y a tout un programme de renumérisation de

Toutes les animes qu’ils ont sauvegardé leurs archives et à chaque fois ils utilise ça pour se fier pour retrouver le bon le bon timing des anes attends tu veux dire qu’il rehooot les films en reprenant les pas les film mais les les plans quoi et et c’est assez dingue

Parce qu’on a jamais vu ça c’est que même eux les animateurs à l’époque ils ont pas vu leurs plans avec la qualité qu’on peut les voir aujourd’hui il y a ils ont sorti un docu sur Mickey où ils ont refait toute une partie du brave petit tailleur avec juste les dessins

D’animateur et c’est incroyable Ahou c’est [Musique] génial tu vois par exemple en France c’est vrai qu’on est un espèce de bassin d’influence entre bah ce qu’on a vu des États-Unis et ce qu’on a vu du Japon principalement et mais en même temps il y a une sorte de french touch par

Exemple quand tu vois bah je sais pas je prends un exemple assez parlant genre le long métrage des [Musique] lascar ça raconte un contexte culturel complètement local et en même temps tu vois dans la manière d’animer il y a les deux influences qui se croise quoi carrément tu as gagné je m’occupe de

Tout dans dans les œuvres américaines en fait tu tu sens que culturellement le rapport au corps est différent c’està-dire que souvent en fait pour mettre en avant un personnage on va le voir évoluer donc en plan américain c’est QFD pour voir comment il bouge en

Fait et pour voir à quel point il fait des expressions incroyables et cetera et tout alors que soit dans le cinéma dans le dessin animé au Japon quand on raconte quelque chose on raconte toujours aussi le contexte extérieur et en fait il y a

Peu de scènes où il va pas y avoir un élément au moins un ou deux plans qui racontent l’atmosphère globale de ouais et l’œil en fait l’humain est considéré très différemment il y a quelque chose de profondément culturel làdans le personnage humain il fait quelque part

Partie d’un tout et et on sent en fait qu’il y a beaucoup de paramètres qui sont pas entre ses mains en fait sa destinée n’est pas toujours tout à fait entre ses mains tu vois ce que je veux dire alors que le le personnage américain par excellence le rapport à la

Question humaine est différente il y a bah il y a Dieu derrière des choses comme ça tu vois mais donc ça se ressent dans les dans les œuvres d’animation je trouve après d’un point de vue technique moi je vois des différences justement dans le timing le frame rate des des des

Animés par exemple ouais qui est globalement à trois images ils ont pas cette problématique de la fluidité du mouvement qui obsède un peu l’école Disney par exemple c’est vrai c’est vrai nous on a été nourri à des séries japonaises qui étaient produites avec un budget assez réduit et les solutions qui

Étaient trouvé pour compenser tout ça c’était des solutions graphiques un peu même expressionniste à base de de Speedline de choses comme ça mais mais le frame r souvent était parfois enfin on avait des des des dessins qui étaient fix longtemps ou alors des des mouvements où en fait les images sont

Exposées à à trois voir quatre de voir six images sans intervales quoi et ça rendait fou notre professeur récurrent au gobelin Fred nor on l’AIM et nous quand on était là en train de faire des des projets un peu mangaisants alors déjà on était un peu des punks parce que c’était pas encore

Super bien accueilli à l’époque tu vois et il regardent nos nos feuilles d’exp ils sont où les inter vous allez pas me laisser un fixe de trois images là vous êtes vous on fait pas les Pokémon ici mais vraiment il était là un fix de trois images dans l’œil de de de

L’audience d’aujourd’hui c’est c’est tout à fait accepté d’avoir cette légère sacade ouais euh voire même ça peut être conçu comme quelque chose d’esthétisant par exemple regarde le film de Spider verse où ils ont remis en fait quelque chose en fait ils ont enlevé des images alors que normalement avec la 3D tout est

Interpolé à l’image près ils ont enlevé des images pour que ça a cet aspect de [Musique] dé au-delà même de la question du frame r du timing et ceera on peut aussi aller voir l’expressivité dans dans tout ce qui est cinéma d’un peu plus d’arrêt

Descè tu vois parce que nous on a la persistance rétinienne qui permet le cinéma euh dans notre œil mais restituer un mouvement c’est pas uniquement être réaliste c’est être vraisemblant c’est c’est inventé des choses expressionnistes tu vois là je pense à par exemple le film [Musique] Kaguya ces traces de peinture comme ça

Ou même de crayon qui qui vont donner une une vitalité extraordinaire dans dans les mouvements c’est pas c’est pas une belle description anatomique c’est pas une question réaliste ou quelque chose c’est vraiment comment ce que tu vas exprimer en fait donc je pense qu’on peut étendre la question du timing plus

Loin encore est-ce que exposer un dessin à trois images c’est déjà un fixe euh ou on peut dire qu’est-ce qu’on perçoit en fait voilà et ça aussi peut-être que ça rentre dans la question de de timing je sais pas ouais ouais ouais ouais franchement on peut s’arrêter là je

Crois que c’était une belle faim ouais belle j’ai fait genre point point a point B point poésie voilà ben merci [Musique] beaucoup pour mon anime de Dingo c’était pas simple de trouver une anime qui illustre le principe du timing alors je l’ai tout simplement animé en train de

Battre la mesure en train de battre le rythme d’une musique d’abord avec le bassin puis la tête et le doigt quelque chose de très simple pour l’instant mais qui va mener à la suite de l’animation pour le prochain principe d’ici là n’hésitez pas à liker la vidéo la partager et m’écrire un

Commentaire pour me dire ce que vous en avez pensé on se retrouve dans la prochaine vidéo pour le prochain principe des bisous [Musique] Ciao [Musique]

▼▼▼ Dans cette série de vidéo soutenue par le CNC ▼▼▼

Pour ce principe essentiel du Timing, nous étudions les différences de fréquences d’image qu’il peut exister entre les différents mouvements, de l’animation occidental aux animés japonais avec Anaïs Chevillard, animatrice & réalisatrice qui a eu la chance de travailler au Japon il y a quelques années, elle nous raconte son expérience.

Pour découvrir tout le travail de Anaïs Chevillard :
https://supanoon.wixsite.com/portfolio

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